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Ofelia & Antelmo, arte textil
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OFELIA & ANTELMO. El bordado como arte, protesta y terapia

Los procesos rápidos en nuestro día a día y la forma de consumo con la que vivimos ha hecho a Gabriela Martínez Ortíz, artista textil, levantarse en protesta hacia la rapidez del siglo XXI, proponiendo una velocidad justa que los procesos artesanales exigen.

Para Gabriela, trabajar explorando texturas orgánicas y patrones en repetición la han llevado a crear OFELIA & ANTELMO, una propuesta que opta por el bordado a mano aplicado al arte textil y arte usable.

Al retomar esta técnica tradicional Gabriela propone recuperar la paciencia, el amor y la magia que llena de vida a los objetos y así, en caso de requerir más manos poder trabajar con artesanas urbanas mujeres que gracias a este tipo de labor pueden tener un mayor ingreso y una vida más plena.

En plática con HILANDO HISTORIAS, Gabriela nos permite profundizar en su mundo y su proyecto como artista textil OFELIA & ANTELMO.

Ofelia & Antelmo, arte textil

¿Cuándo y cómo nace Ofelia & Antelmo?
Todo se fue dando de manera muy orgánica, desde el 2014 con un proyecto de la universidad. Yo estudié diseño textil y moda y en realidad casi toda la carrera estuve a la deriva preguntándome a qué me iba a dedicar saliendo porque yo no tenía intención de trabajar en el mundo de la moda como tal, sólo sabía que me atraía mucho el arte textil tradicional mexicano, -un gusto heredado por mi abuela Ofelia- y por ahí planeaba buscarle. Hasta que en quinto semestre tuvimos un proyecto donde debíamos hacer un outfit con intervenciones textiles, yo elegí explorar el bordado a mano. Descubrí mi amor por la técnica y el resultado de ese diseño me motivó a seguirla explorando en “nativa” (https://www.gamaor.com/nativa) mi tesis, donde combiné las técnicas del bordado a mano y la serigrafía artesanal. El resultado de “nativa” me abrió el panorama de posibilidades, me dio la idea de desarrollar mi propio leguaje visual, en forma de arte textil contemporáneo.

Encontrar el por qué de mi proyecto fue clave para decidirme dedicarme de lleno al arte textil, sabía que quería trabajar con las manos y que no quería ser parte de las producciones en masa. En Mayo de 2017 OFELIA & ANTELMO nace como una propuesta de arte textil contemporáneo presentado en dos formatos que van de la mano, arte textil y arte usable. El arte textil es mi punto inicial, es donde exploro todas mis ideas de colores, texturas, puntadas y efectos y luego busco aterrizarlos en prendas artesanales con acabados y puntadas más resistibles al uso, apoyadas de accesorios artesanales.

¿Quién está detrás de la marca?
Por ahora yo soy la que lleva todas las decisiones y el desarrollo creativo del proyecto, también bordo la mayoría de las piezas de arte textil. Para los bordados de las prendas y pedidos en serie me apoyo de cuatro mujeres que viven en la Ciudad de México, Verónica Pineda, Elia Pineda, Julia de la Cruz y Eva Bautista. Todas tienen trabajos alternos y esto les ayuda a tener un ingreso extra.

¿El nombre tiene algún significado?
El nombre es el de mis abuelos maternos. Es para mi una forma de rendir honor a mis raíces y a la estructura familiar en la que crecí, mezclando mi descubrimiento personal artístico con el de crear en comunidad.

Ofelia & Antelmo, arte textil

¿Qué buscas transmitir con Ofelia & Antelmo?
Mi mayor motivación es crear piezas únicas que duren a través del tiempo, piezas que pudieran ser heredadas y al mismo tiempo protestar a la velocidad en la que nos movemos y consumimos hoy en día. Busco ir más lento y priorizar los tiempos de producción para invitar a concientizar nuestras formas de consumir.

¿Por qué es importante para ti recuperar lo hecho a mano y las técnicas artesanales?

Creo que la industria textil está haciendo cada vez mas daño y está generando un impacto ecológico muy fuerte. Pienso que mi responsabilidad en mi hacer se centra en recuperar los ritmos lentos que antes le dedicaban a las cosas, llenar de vida un objeto a través de un proceso meticuloso que requiere paciencia por su lentitud. A través del bordado a mano estoy aprendiendo a vivir una vida más lenta y mas presente.

¿La ropa tradicional por qué te inspira?
Porque creo que hay algo muy poderoso en portar una prenda con historia. Pensar que alguien le dedicó tanto tiempo y sabiduría al crearla me parece fascinante. No solamente es un rastro histórico de la riqueza textil que tenemos, es una prenda que forma parte de toda una memoria de identidad.

Ofelia & Antelmo, arte textil

¿Trabajas con artesanxs de alguna comunidad?
Las mujeres que me ayudan con los bordados son artesanas que tuvieron que dejar sus pueblos para venir a trabajar a la Ciudad de México, la mayoría trabaja en el aseo doméstico. Las cuatro ya sabían bordar desde antes, especialmente bordado clásico, por lo que la capacitación de las puntadas y el estilo que yo hago ha surgido de manera muy orgánica. Me gusta pensar que son “artesanas urbanas”, mi intención es que poco a poco más mujeres se vayan sumando al proyecto.


¿Te has encontrado con algún obstáculo o dificultad para la creación de piezas textiles y prendas artesanales?
El bordado a mano es una técnica muy noble que más que ser difícil, requiere de mucha paciencia pues es sumamente tardado. Poco a poco he ido aprendiendo a adaptar mis tiempos a lo que cada bordado requiere. Mis prendas regularmente son muy amplias y modulares, pensadas para todo tipo de cuerpos por lo que su construcción también resulta muy amigable. Tampoco trabajo con tendencias, todas son piezas únicas, entonces me doy la libertad de que el proceso creativo sea el que me vaya guiando. Claro que entre más piezas hago, voy aprendiendo mejor para la siguiente.

Ofelia & Antelmo, arte textil

¿Qué es lo que más te gusta de tu proyecto?
Que mi trabajo sea mi terapia. El bordado ha sido un gran maestro para mi, me ha enseñado a escucharme, a conocerme y a cultivar mi paciencia. Me enseña mucho también de compromiso y a entender que todo lleva un proceso.

Disfruto mucho explorar con colores y texturas en gran formato, me encanta que el bordado sea un salto al vacío, porque siempre que lo empiezas necesitas acabarlo para realmente saber cómo va a quedar y casi todas las veces vale la pena.

Pieza favorita de tu propia marca: El saco Ofelia

¿Qué viene en un futuro para Ofelia & Antelmo? Seguir creando y confiar.
Técnica artesanal favorita: Bordado a mano
Pieza tradicional favorita: Huipil
Principal inspiración: Las texturas orgánicas y colores en naturaleza.
Artista textil: Trine Ellitsgaard
Color: Azul
Paisaje: Cualquiera con agua y plantas

Ofelia & Antelmo, arte textil
Lagunas

México Textil
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MÉXICO TEXTIL un recorrido por la indumentaria tradicional del sur/sureste de la Republica Mexicana.

“Nunca una pieza producida en masa tendrá la fuerza, la dignidad y el valor de las creaciones que México resguarda en sus poblados más remotos.”
-Manuela López Mateos, curadora de la exhibición

Este 18 de mayo en el marco del día internacional del museo se inauguró la exhibición “México Textil Sur/Sureste” en el MUSEO DE ARTE POPULAR (MAP) de la Ciudad de México con textiles de Guerrero, Oaxaca, Chiapas, Campeche, Yucatán, Quintana Roo, Tabasco y Veracruz.

México Textil

La muestra presenta más de 350 piezas de las zonas sur y sureste de México basadas en su biodiversidad, misma con la que se pretende mostrar la forma de elaboración de textiles con materia prima encontrada en cada región.

Algunos materiales exhibidos en “México Textil Sur/Sureste” son: algodón, lana, grana cochinilla y caracol púrpura.Los cuales, pasan a ser un factor importante en técnicas de tejido y tintes naturales aplicados en los textiles por artesanos de nuestro país.
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México Textil

Así mismo, el INSTITUTO NACIONAL DE ANTROPOLOGÍA E HISTORIA prestó piezas que datan de la época prehispánica con la finalidad de mostrar la importancia del textil desde entonces y así, entender la transmisión del conocimiento colectivo que hoy en nuestros días es traducido por varios artistas, diseñadores y productores que trabajan con artesanos indígenas y con sus técnicas tradicionales.

Te platicamos también, que esta es la primera de tres exposiciones “México Textil” creada por zonas, siendo el siguiente año (2020) el Centro de la República Mexicana el punto de partida.

Así que, si eres un amante, aprendiz de textiles o simplemente quieres aprovechar tu tiempo libre, esta exhibición es un must.

México Textil

México Textil

coatlicue, Germán Venegas
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Germán Venegas y su COATLICUE, madre de todos los dioses.

Germán Venegas es un reconocido artista plástico mexicano nacido en 1959 en la Magdalena Tlatlauquitepec, Puebla. Quién desde temprana edad (23 años) ha sido reconocido nacional e internacionalmente.

Para hablar sobre la impactante saga de pinturas de óleo de Germán Venegas “COATLICUE” es necesario conocer la historia de esta deidad y es que ella representa la vida y la muerte (dualidad), la madre Tierra y la fertilidad.

coatlicue, Germán Venegas
Coatlicue 18
Óleo sobre tela. 2010

COATLICUE con su cabeza doble de serpientes que simboliza la sangre y la fertilidad, sus garras en extremidades que representan el sol, su collar de manos, corazones y un cráneo aludiendo a la vida y la muerte, el sacrificio. Nos recuerda a la madre que cuida en todo momento a sus hijos y que es capaz de desgarrar cualquier impureza.

Lee más sobre la leyenda de COATLICUE AQUÍ

Coatlicue, German Venegas
Coatlicue 34
Óleo sobre madera. 2012

En las pinturas de Germán Venegas COATLICUE observamos a nuestra madre Tonantzin, en distintas formas, desmembrada, en un plano casi abstracto y el cual al mismo tiempo refiere a los tiempos en los que vivimos. Una sociedad caótica incapaz de conjugar pero que se sabe, hijos de la misma naturaleza.

Coatlicue
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COATLICUE Tonantzin, nuestra madre.

Cuentan las leyendas mexicas que COATLICUE es la madre de la tierra, de las estrellas, la luna y el sol. Que es nuestra Tonantzin; madre de todos los dioses, la deidad que representa la vida, la muerte y la fertilidad.

COATLICUE en náhuatl “la que tiene su falda de serpientes” tuvo 400 hijos conocidos como Centzon Huitznáhuac y una hija; Coyolxauhqui. Un día, mientras COATLICUE barría, cayó del cielo una pluma y al guardarla entre su vientre quedó embarazada. Sus hijos, sintiéndose deshonrados y tan ingratos buscaron la muerte de su madre. Pero no contaban con el nacimiento de Huitzilopochtli, su hermano, quien se convirtió en guerrero y defendiendo a su madre dio muerte a los Centzon Huitznáhuac, convirtiéndoles en estrellas y a Coyolxauhqui la decapitó e hizo rodar su cuerpo por el Coatepétl (cerro de la serpiente, la montaña sagrada de los mexicas) y así se transformó en la luna. Huitzilopochtli fue entonces el más fregón del Altiplano Central, conocido como el dios del Sol.

huitzilopochtli, Coatlicue

La figura de COATLICUE es representada con cabeza bicéfela de serpientes coralillo símbolo de la sangre y fertilidad, con sus pechos caídos nos deja ver su figura materna, que ha amamantado y criado a cientos de hijos. Sus garras en manos y pies le servían para devorar toda injusticia y su collar adornado con manos, corazones y una cabeza nos recuerda los sacrificios realizados en aquellos tiempos. Así mismo, su falda llena de serpientes hace alusión a su nombre con el que se entrega fuerte, dadora de vida y al mismo tiempo devoradora de la humanidad.

Coatlicue, azteca, tonantzin
Foto vía MNAH

“Si la Coatlicue esta decapitada es porque representan a la Tierra desgarrada en el origen del tiempo, a la tierra que reclama sangre y corazones como lo simboliza la falda de serpiente, la Tierra que devora los hombres, como lo indican los brazos levantados y las garras amenazadoras, el cuerpo listo a saltar, el collar de trofeos; manos corazones y cabezas de muerte. La diosa muere dando vida; es por tanto una mujer heroica vestida de insignias propias de los guerreros. Si los flujos de sangre brotando del cuello se transforman  en serpientes, es porque las serpientes son la vida que se renueva, la fertilidad.”

-Michel Graulich

 

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Así fue el recorrido de LELE

El pasado 30 de marzo, Lele, la muñeca artesanal originaria de Amealco Querétaro, comenzó su tour mundial Herencia Cultural, enalteciendo al

The true cost, Fashion revolution
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THE TRUE COST. Una historia de terror en la industria de la moda

“Esta es una historia sobre ropa que vestimos, la gente que hace esta ropa y el impacto que está teniendo en nuestro mundo. Es una historia sobre avaricia y miedo, poder y pobreza.”
-Andrew Morgan, director de THE TRUE COST

Si eres de las personas que gustan comprar ropa constantemente en grandes marcas de fast fashion (moda rápida con colecciones constantes a muy bajos costos) como Zara, H&M y Forever 21 por mencionar algunas, este documental titulado THE TRUE COST te dejará con la boca abierta.

La ropa es la piel que decidimos portar. Es la forma en la que decidimos cómo nos vemos y cómo nos expresamos ante el mundo.
¿Cuán identificado te sientes con la ropa que portas?
¿Alguna vez te has preguntado quién hizo las prendas que usas?

La mayoría de la gente suele comprar su ropa con respecto al diseño y sobre todo, basándose en los bajos costos de ésta, mismos que bajan aún más con cada oferta del año.

The true cost, Fashion revolution

THE TRUE COST nos muestra la cruda realidad sobre la industria de la moda partiendo sobre el hecho de hace ya 6 años (24 de abril del 2013) en Dhaka, Bangladesh, donde un edificio que albergaba empresas de fast fashion colapsó, dejando una cuenta de más de 1000 personas sin vida. El personal que laboraba en el edificio avisó con anterioridad a sus jefes sobre las malas condiciones de la estructura del establecimiento y sin hacer caso, las consecuencias fueron mayores.

Y así, mientras crecía la cifra de muertos, ascendían las ganancias generadas por estas grandes marcas.

The true cost, Fashion revolution

La industria de la moda está matándonos (es la segunda más contaminante del mundo) haciéndonos creer que necesitamos cada vez más y más barato. La gente que trabaja en los talleres de este tipo de empresas fast fashion llegan a percibir ingresos de $10 USD al mes y al vivir tan cerca de las fábricas y de los campos donde se cosecha el algodón lleno de pesticidas han enfermado por los químicos potentes. Incluso, muchos de los niños que nacen en los poblados cercanos viven con discapacidades y enfermedades mentales. Así mismo, en el año 2013 se registraron 250mil suicidios en los últimos 6 años en los campos de cultivo.

The true cost, Fashion revolution

A pesar de tener tantos contras dentro del mundo de la moda, THE TRUE COST nos muestra distintas alternativas con las que se puede cuidar el medio ambiente y generar trabajo digno y bien remunerado para la gente que día a día crea nuestras prendas de vestir.

Y ahora, ¿Tienes curiosidad de saber quien hizo tu ropa?

Te invitamos a reflexionar sobre el tema, sumarte al movimiento FASHION REVOLUTION, que cuestiona a las marcas “¿Quién hizo mi ropa?” y a ver THE TRUE COST, documental que encuentras en NETFLIX.

Conoce más sobre FASHION REVOLUTION AQUÍ.

Huichol, Wixárika, Wirikuta
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WIRIKÚTA. El territorio sagrado Huichol

Nunca olvidamos de Wimakame, nuestra Madre Tierra:
“Nosotros somos parte de la tierra y la tierra es parte de nosotros. Las flores que aroman en el aire son nuestras hermanas; los desfiladeros, los pastizales húmedos, los animales como el venado y el águila forman un todo único.”
-Texto de un Huichol con una adaptación al escrito de 1854 por el Jefe Piel Roja al entonces presidente de EUA, Franklin Pierce.

Cuenta una de las leyendas de la cultura Wixárika (Huichol) que la vida surgió del mar en Haramaratsié donde vive Tatéi Haramára (Nuestra Madre, el Mar) y en búsqueda de luz los Huicholes caminaron siguiendo a Kayau Mari -un personaje mítico, mitad hombre, mitad venado- hasta llegar a Wirikúta donde nació el Dios del Sol (Tawewiékame) y del Peyote (Hikuri; espíritu de Kayau Mari). De este punto caminaron a Xapawiyémeta, la morada de Takútsi Nakawé (nuestra bisabuela, la mujer más vieja del mundo). Regresaron al centro para llegar a Hauxamanaka (Cerro Gordo) donde Watákame salvó a todas las especies de la tierra durante el diluvio y donde se encuentra “La Balsa de los Dioses”.

Huichol, Wixárika, Wirikuta
Imagen vía "Huicholes, Pueblos Indígenas del México Contemporáneo, CDI."

Los Wixaritari (Huicholes) son una de las poblaciones indígenas más arraigadas a la Naturaleza, donde el cosmos, toma parte importante para diversos rituales como de cosecha, agradecimiento y salud. Es a través de la conexión con sus hermanos (los dioses) que ha sido posible el mantenimiento de sus áreas naturales.

El interactuar con sus hermanos también los ha dotado de creatividad que es plasmada en su arte y artesanía. Donde escenas de su cosmovisión incluyen principalmente la creación del Universo, al hermano venado y el Hikuri; su guía espiritual.

Huichol, Wixárika, Wirikuta

En su búsqueda por la preservación de la Naturaleza han logrado modificar leyes estatales y nacionales, logrando el reconocimiento de Wirikúta como territorio sagrado de los Huicholes. Establecido así, en el decreto de 1999 por el gobierno de San Luis Potosí y con el cual, tanto el gobierno como los representantes Huicholes recibieron el Premio SACRED GIFT TO THE EARTH que otorgan el World Wildlife Fund y Alliance for Religious Conservation entregado en el año 2000 en Katamandú, Nepal.

A pesar de dicho decreto que protege un área de casi 150,000 hectáreas la lucha para los Huicholes por defender su sitio sagrado de Wirikúta es constante, pues está en peligro de desaparecer debido a las mineras que abarcan 6,326 hectáreas.

Huichol, Wixárika, Wirikuta
foto vía toltequita en flickr

Hoy en el día de la Tierra recordamos esta lucha esperando crear consciencia sobre el legado tanto cultural como natural que le pertenece a la Tierra. Respetémosla, cuidémosla y amémosla, sabiendo que somos parte de un todo que conforma el Universo.

Te recomendamos ver ECO DE LA MONTAÑA para conocer más sobre esta etnia.

Huichol, Wixárika, Wirikuta
foto vía thaizap en flickr

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